Patrizia Laquidara Patrizia Laquidara: attraversare mondi diversi con la musica

Laura Bianchi: Innanzitutto, grazie non solo per aver concesso questa intervista, ma soprattutto per il grande dono di questo tuo ultimo album, denso di suggestioni e di suoni, e nato dopo un periodo in cui sei stata attiva artisticamente con un romanzo, e sulle scene teatrali: ti ho vista ad esempio con Marco Paolini, qualche anno fa. Com’è nata l’esigenza di tornare a incidere un disco, dopo, mi pare, sette anni, e cosa ti hanno lasciato quelle esperienze?

Patrizia Laquidara: Quando ho cominciato a scrivere il libro, così come quando è iniziato il lavoro con Marco Paolini, sentivo il desiderio di esplorare nuove forme di linguaggio e, attraverso quelle, anche nuovi aspetti di me. Mi sono immersa in entrambe le esperienze con tutta me stessa, senza risparmiarmi, lasciandomi coinvolgere completamente.
La musica, però, è sempre stata la mia strada maestra. A un certo punto ho sentito con forza l’esigenza di tornare a lei, insieme al desiderio di esprimermi di nuovo in una forma che mi è profondamente consona, che è sempre stata il mio linguaggio principale, la mia lingua madre. Allo stesso tempo, l’esperienza della scrittura e quella teatrale mi hanno lasciato moltissimo. Mi hanno fatto conoscere nuovi modi di stare sul palco, di abitare una parola, di costruire un racconto e una presenza. Mi hanno permesso di andare oltre ciò che conoscevo, di affrontare nuove sfide, di mettermi alla prova in contesti diversi. Per me è stato importantissimo, perché quando poi sono tornata alla musica non ero la stessa di prima: portavo con me una consapevolezza diversa, un ascolto diverso, forse anche un modo più ampio di intendere la scena e la narrazione.

L.B.: Ho ascoltato e visto recentemente Giulia Mei al Festival della Canzone Italiana, a Parigi, e sono rimasta impressionata dal suo modo di lasciarsi abitare dalla musica. Trovo molti punti di contatto con la tua personalità, e non solo perché entrambe siete di origini siciliane. Come ti sei trovata con lei, nel cantare insieme Nessuno deve restare di fuori, e come hai fatto a trasformare il brano, che prima si intitolava Ti ho vista ieri?

P.L.: Con Giulia Mei mi sono trovata benissimo, sia umanamente che artisticamente. Ho un’enorme stima del suo lavoro, che trovo originale, potente e coraggioso.
In questa canzone cito figure femminili a me molto care: donne che abitano il mio albero genealogico e che hanno un significato profondo per la mia vita. Proprio per questo, la scelta di affidarle anche a un’altra voce non era affatto scontata, e all’inizio non è stata semplice. Ma quando ho conosciuto Giulia e ci siamo incontrate in studio, tutto è diventato naturale. Ho sentito che quella presenza, quella voce, poteva trasformarsi in una specie di passaggio di testimone.
Il brano nasce come Ti ho vista ieri, che è anche il titolo del mio romanzo, da cui l’album Flòrula prende spunto. Quando mi sono ritrovata in studio per ricantarlo, io ed Edoardo Piccolo, con cui ho lavorato alla produzione artistica, abbiamo pensato che sarebbe stato interessante non partire più dalla chitarra o dalla melodia, ma da un ritmo, da una pulsazione. Abbiamo sentito che quella pulsazione doveva essere affidata al marranzano: uno strumento siciliano, antico, popolare, quasi primitivo nella sua forza evocativa. Ho provato quindi a ricantare il brano seguendo quella base, quel ritmo, e ci siamo accorti subito che anche la melodia cambiava. Restava l’essenziale: un canto più nudo, più arcaico, quasi un inno. E dentro questa nuova forma emergeva con forza una frase che prima rimaneva quasi nascosta: “Nessuno deve restare di fuori”. In quel nuovo arrangiamento, quella frase diventava il centro, il cuore del brano.
Ho trovato che questo coincidesse perfettamente con il senso che volevo dare al disco: trasformare qualcosa che era nato anche da una materia autobiografica in un canto collettivo, in cui nessuno, appunto, deve restare fuori. Quelle donne si sono trasformate: non erano più soltanto figure femminili legate alla mia storia personale, ma simboli di altre donne, di altri uomini, di un’umanità “minore” che chiede di essere vista, ascoltata e cantata.

L.B.: Sempre a proposito di Ti ho vista ieri…è il titolo del tuo romanzo; in che misura il libro, prettamente autobiografico, dialoga con la dimensione più corale che si avverte nel disco?

P.L.: Come dicevo, il mio tentativo è stato quello di partire dal libro, quindi dalla parola scritta, per trasformarla in suono, musica e canzoni. Ma senza voler fare una semplice traduzione musicale del romanzo.
Mi interessava piuttosto andare oltre: uscire dall’autobiografia per permettere a quelle storie di trasformarsi, di allargarsi, di diventare più libere e forse anche più universali. Il libro nasce da una materia molto personale, da una memoria intima e familiare; il disco, invece, prova ad aprire quella materia a una dimensione più corale.

In questo passaggio, le figure e le vicende che nel romanzo appartengono alla mia storia individuale diventano presenze più ampie. È come se la musica avesse dato loro uno spazio diverso, meno legato al racconto autobiografico e più vicino a un canto collettivo. Flòrula nasce da Ti ho vista ieri, ma non lo ripete: lo trasforma e lo lascia germogliare altrove.

LB.: .Le sonorità sono molto originali, e l’elettronica si unisce a strumenti tradizionali. Penso a brani come Cunizza, dall’introduzione coinvolgente e dalla conclusione emozionante e dantesca... Come avete lavorato nella produzione di un suono in un equilibrio tanto prezioso tra passato e futuro?

P.L.: All’inizio c’è stato un pensiero molto preciso: inserire l’elettronica dentro canzoni che nascevano comunque come canzoni d’autore, affidando proprio all’elettronica e alla base ritmica il compito di condurre la narrazione. Siamo quasi sempre partiti da lì: da un ritmo, da una pulsazione, da qualcosa che mettesse subito in movimento la parola e il racconto.
L’altro obiettivo era quello di riprendere alcuni strumenti della tradizione, soprattutto siciliana, e farli dialogare con elementi più contemporanei. Nel disco convivono cantautorato, rap, poesia, musica popolare, elettronica, suggestioni brasiliane: materiali anche molto diversi tra loro, che abbiamo cercato di mescolare senza perdere mai di vista la forma canzone.
Ci interessava creare un album con molte sfaccettature, ma compatto dal primo all’ultimo ascolto. Un disco che potesse attraversare mondi sonori differenti senza disperdersi, mantenendo una sua identità precisa.
A questo si sono aggiunte anche le ritmiche di due percussionisti brasiliani, Fernando Silva e Clecio Santos, che avevo conosciuto durante un mio viaggio in Brasile nel 2025. Il loro contributo è stato molto importante, perché ha reso l’elettronica più organica, più calda, più umana. Siamo partiti quindi da un’idea abbastanza chiara di come dovesse suonare Flòrula, ma poi ci siamo lasciati guidare molto anche dall’improvvisazione, dal divertimento, dalle sincronicità. In studio sono arrivati elementi e ospiti inaspettati, e spesso sono stati proprio questi incontri a indicare la strada. Credo che l’equilibrio tra passato e futuro sia nato così: non come un calcolo, ma come un dialogo continuo tra memoria e invenzione.

L.B.: I testi contengono anche parti in siciliano, e penso al tuo splendido Il canto dell’anguana, in cui hai affrontato il dialetto veneto. Quanto è importante per te esprimerti in una lingua diversa dall’italiano?

P.L.: Ci sono parole dialettali che riescono a esprimere il reale in modo molto più esatto dell’italiano. Non solo perché nominano le cose in maniera diversa, ma perché portano con sé un mondo, una geografia, una memoria, un modo preciso di sentire.
Il canto dell’Anguana, per esempio, non poteva essere cantato che in dialetto altovicentino. È un dialetto che appartiene a un territorio circoscritto, a un microcosmo preciso, ma proprio per questo ha la forza di rappresentare qualcosa di più grande, di diventare macrocosmo. Più una lingua è radicata, più a volte riesce a parlare a tutti.
Anche in questo album ci sono parole che avevano bisogno del dialetto per esistere davvero. Penso, per esempio, a “Mannatillu luntanu luntanu chistu mali ca cammina”, in Nessuno deve restare di fuori. È una frase che per me suona quasi come un’invocazione, un piccolo inno, e non avrebbe avuto la stessa forza se fosse stata cantata in italiano.
Il dialetto non lo vivo come un ornamento o come un colore locale, ma come una lingua necessaria quando l’italiano non basta.

L.B.: Ci sono anche alcune collaborazioni, molto significative, come quella con El Coco, o con alcuni percussionisti di Recife. Ce ne vuoi parlare?

P.L.: I percussionisti di Recife li ho conosciuti durante un mio viaggio nel Nordest brasiliano. A Recife sono entrata in contatto con una realtà molto particolare, Pé no Chão, uno storico progetto socio-educativo e culturale di strada, attivo dal 1994, nato per contrastare povertà e criminalità attraverso l’arte e la musica, offrendo possibilità e futuro ai giovani delle favelas.
All’interno di questo progetto ho conosciuto due musicisti che, per una fortunata coincidenza, si sono trovati a passare dall’Italia proprio nei giorni in cui stavamo registrando il disco. Li abbiamo coinvolti subito, invitandoli a venire in studio, e la loro presenza ha significato moltissimo per me. Non solo sul piano musicale, ma anche per l’intento collettivo che attraversa tutto Flòrula. Loro arrivano da una parte di mondo che spesso viene percepita come “minore”, marginale, difficile; e invece hanno portato nel disco un punto di vista, una sonorità, una fisicità, un modo diverso di stare insieme.
Allo stesso modo è stata preziosa la collaborazione con El Coco, che è anche mio nipote. Non solo perché mi ha permesso di avvicinarmi a una forma musicale diversa, il rap, e di provare a integrarla con la mia scrittura d’autore, ma anche perché in studio mi ha insegnato una maniera più semplice, più diretta e spontanea di stare dentro la scrittura. Ho imparato molto da lui.
C’è poi un aspetto simbolico che per me è molto importante: Marco, questo è il nome di El Coco, chiude un album che si apre con l’elenco delle figure femminili che popolano il mio albero genealogico. In qualche modo il disco si apre con le radici e si chiude con una figura più giovane dello stesso albero. Anche questo, per me, è un passaggio di testimone.

L.B.: Ascoltando tutte le tracce del disco, trovo che queste compongano un mazzo di fiori, ognuno dei quali contiene un colore diverso, una sfaccettatura della tua personalità e del tuo vissuto, in perfetto equilibrio tra loro, dalla sensualità della bossa di Alicudi alla dolcezza di Nuova luce, fino all’ironia ficcante de La ragazza della 127, grande metafora polemica, per ricordarci che “in fondo tutti siamo Sud”…pensi che sia possibile che una canzone ricapitoli vite e sentimenti collettivi?

P.L.: Poche cose hanno un potere evocativo come quello delle canzoni, che sono una forma di cronaca sublimata in poesia popolare. Le canzoni sono sempre una forma di creazione collettiva, nascono dalla storia, la raccontano e a volte la creano pure, ecco perché sono convinta che questa forma musicale, più ancora che la musica colta possa contenere l’immaginario e i sentimenti della gente. Le canzoni restano addosso alle persone, entrano nella memoria, diventano parte di un tempo, di una comunità.

Una canzone può contenere una storia personale e, allo stesso tempo, far risuonare qualcosa che appartiene a molti. Può partire da un dettaglio minimo, da un’immagine, da una voce, da una vicenda privata, e trasformarsi in una specie di sentimento collettivo.

L.B.: Ti ho vista live, anni fa, e sono rimasta incantata dal tuo magnetismo e dalla tua capacità di affabulatrice. Nell’imminente tour come pensi di presentare il nuovo lavoro?

P.L.: Vorrei far parlare la musica più di tutto. Vorrei far condurre tutto da lei non inserirmi con parole, né letture, come invece ho fatto in passato. Vorrei proporre una forma di concerto che coinvolga il pubblico e lo faccia cantare, partecipare, come fosse parte integrante di una creazione, di un rito sonoro.

L.B.: Grazie! E speriamo di poterti vedere in concerto molto presto!

Prossimi live

12 Giugno

Ospite di Spot Music Artist Talks - Paeco Arcadia, Bareggio (MI)

30 Giugno

Ospite dei Fabularasa e Mario Laginha - chiostro di Santa Chiara, Mola Di Bari (BA)

13 Luglio

Flòrula - Festival Arena delle Balle di Paglia, Cotignola (RA)

Si ringrazia Astarte Agency.